¿Es una obra de teatro? ¿De danza? Hoy tenemos el honor de contar con la presencia de LRM Performance. Y es que… nadie mejor que Berta y David para explicarnos en qué consiste una performance. Además, en la entrevista que os presentamos a continuación, nos cuentan muchas curiosidades de sus actuaciones. No os lo podéis perder.

Directores artísticos: Berta Delgado y David Aladro-Vico

Intérprete: Yun Shiu-Liao

Web: www.LRM-info.com

  Facebook: http://www.facebook.com/pages/LRM-Performance/210849112308998?fref=ts

 Twitter: @LRMperformance / @bertadelgado

Noticias y prensa: www.LRM-now.blogspot.com.es

Sed muy bienvenidos chic@s. Lo primero de todo, queremos agradeceros que estéis en Arte Para Ti y dediquéis un pedacito de vuestro tiempo a responder nuestras preguntas.

Es un placer hablar con vosotros, muchas gracias por venir a ver nuestro trabajo.

Comenzamos con la cuestión fundamental: ¿Cómo surgió la idea de crear LRM Performance?

Surgió poco a poco, de forma no deliberada, es decir, siguiendo nuestra voluntad de hacer y conocer cosas, disciplinas y procedimientos para crear.

Nos pica mucho la curiosidad, ¿De dónde provienen las iniciales LRM?

LRM es un acrónimo de Locus Rodo Momentum, que en latín significa Lugar Roce Momento. Éste fue el título de una obra que presentamos a Matadero Madrid en 2007. Se titulaba así porque nos interesaba la acción de desgaste, el tiempo y la marca que deja en los lugares. Después vimos que nuestra manera de trabajar tenía mucho que ver con este concepto y adoptamos el nombre para el colectivo, pero paradójicamente desde entonces nuestro trabajo ya no es nunca conceptual, no nos interesa lo conceptual, creemos que está ya gastado.

Todo tiene un principio. ¿Cuándo fue vuestra primera actuación? ¿En qué lugares habéis estado?

Comenzamos haciendo una improvisación de piano y electrónica y dibujo con paleta gráfica en el Espacio de Arte Tesauro en Madrid en el año 2004.

Posteriormente fuimos ampliando el trabajado hasta hacerlo escénico, incorporando luz, movimiento y objetos en espacios más grandes. Como somos híbridos en cuanto a disciplina artística, hemos estado en exposiciones en Centros de Arte contemporáneo, salas de Conciertos, Teatros, Festivales de Música, Centros de danza, etc. en España y en el extranjero.

Nos gustaría saber ¿Cómo definís el término Performance?

Para nosotros el término simplemente implica arte (cualquier forma de arte) en tiempo real. Así, genéricamente. Nada más.

Nos gusta la palabra porque se usa por igual en artes de movimiento, sonido y plástica, pero somos conscientes de que hay colectivos profesionales que quieren cerrar la definición en torno a sus propios conceptos y disciplinas. Eso no nos atrae nada.

Como pudimos ver en vuestro ensayo, integráis danza, escenografía… es difícil incluiros en una categoría. ¿Cómo definís vuestro estilo?

Si tenemos que definirlo hablamos de arte interdisciplinar o transdisciplinar, porque trabajamos al mismo nivel música, acción y artes visuales. Es complicado encasillarlo porque se mueve en los bordes de las disciplinas que conocemos y todas ellas se fusionan.

Sobre si tenemos un estilo, pues creo que no nos corresponde decirlo a nosotros; el público a veces nos habla de “expresionismo”, “ambiente irreal”, “informalismo”, “metamorfosis” y cosas así, lo que siempre nos sorprende y nos gusta, pues buscamos que si alguien quiere ponerle un significado se lo ponga por su cuenta, no dárselo hecho.

Nosotros queremos crear, crear cosas nuevas – es decir, cosas que no sean copia de algo que ya existe- y por lo tanto, si ya tienen una etiqueta, no serán nuevas. Sabemos que hacer algo nuevo es muy, muy difícil, pero por lo menos lo intentamos.

El sonido es uno de los grandes protagonistas. En este trabajo que estáis dando a conocer actualmente, ¿Qué instrumentos utilizáis?

Los “instrumentos”, son en realidad objetos que no recuerden demasiado a los instrumentos convencionales, y que emitan un sonido… orgánico, o algo así como metales frotados. Hay una buena parte de la música que proviene de sonidos de máquinas, así que los instrumentos han de ser más orgánicos, incluso aunque vayan procesados por el ordenador. También usamos ideas de músicas de Asia; de Vietnam, de la ópera de Pekín, el Gagaku, P’ansori, etc.

Vuestro espectáculo incluye efectos ópticos; el espectador no sabe muy bien si estáis cerca o lejos del patio de butacas. ¿Cómo lo conseguís?

Cada trabajo que realizamos lleva mucho tiempo de elaboración. Este último, Memory Root Light, ha necesitado más de un año en el que nos hemos encerrado en el estudio sólo para investigar fenómenos visuales y sonoros.

Aquellos que nos provocan una emoción son los que hemos conservado para el trabajo final.

La iluminación es clave para conseguir ese efecto de profundidad, pero lo es aún más su combinación con el sonido y movimiento, que nos da la sensación espacial.

Nos gustó mucho el comentario que hicisteis sobre la oscuridad: “es como nuestro lienzo en blanco”. ¿Podríais contarnos las ventajas de trabajar en la oscuridad frente a la luz del día?

La oscuridad nos permite controlar lo que queremos que el espectador vea en cada momento y también da más lugar a la sugerencia.

La performance desde los años 60 siempre ha presentado la acción de una o varias personas en un espacio completamente iluminado y blanco, lo que nos hace pensar que nunca han tenido en cuenta la luz.

Nosotros pensamos que la luz es muy importante para la acción, la forma y para transformar el espacio. Es una herramienta tan importante como las demás, y hay que escogerla, igual que al crear obra plástica escoges si utilizar un material, un lápiz o una paleta de óleos o en música un sonido, instrumento o plantilla orquesta.

El atrezzo es genial, es uno de vuestros puntos fuertes. Nos encantan los trajes (que desde fuera parecen muy pesados) como los cortinajes. Pero… ¿Podéis hablarnos de vuestros peleles? No pudimos evitar encariñarnos con ellos…

Todos los elementos y trajes que utilizamos en escena los diseñamos nosotros. Hemos buscado que deformen la apariencia del cuerpo y también su movimiento.

Su textura es la de papel, que es un elemento muy ligero. Pero es el sonido el que hace que lo percibáis como un material mucho más pesado. En realidad deben ser ligeros para poder usarlos.

Nosotros también hemos cogido cariño a los peleles, son un elemento inspirado en un anime japonés y al mismo tiempo en uno de los cartones para tapices de Goya. Les hemos puesto una “voz especial”, el sonido que emiten. Son tiernos y a la vez inquietantes.

Y por último, preguntaros qué sentís mientras realizáis la performance. Son muchas emociones las que transmitís al espectador… ¿Habéis escuchado alguna vez voces de asombro provenientes del público? ¿Tenéis alguna anécdota memorable?

Cuando comenzamos sentimos tensión porque hay muchos elementos que tenemos que manejar en escena (objetos, instrumentos musicales, luces…) pero a base de ensayos conseguimos que esa parte vaya más fluida. La sensación siempre es muy buena, porque estás creando y puedes compartirlo con los espectadores que te están viendo.

Las personas mayores son las más desinhibidas al expresar sus emociones y muchas veces hemos escuchado sus comentarios espontáneos provocados por la emoción del momento. En la escena final de nuestro anterior trabajo, Cogwheel, una señora mayor soltó una exclamación de asombro; lo escuchamos aún con todo el volumen de la música.

Nos despedimos deseándoos de toda corazón mucha suerte en vuestro trabajo. Aunque en realidad, no tenemos ninguna duda de que vaya a ser un éxito. Tenéis talento para dar y tomar.

¡Gracias!

-La autora de las imágenes que hemos mostrado es Sara Sánchez -